Un roman de Sheridan Le Fanu (1872)

Un film de Roger Vadim, Et mourir de plaisir (1960)

Sheridan Le Fanu est un des piliers de la littérature fantastique du XIXe siècle. Et pourtant, de l’auteur irlandais, peu de livres ont été édités en France. Aux Etats-Unis, l’édition intégrale de ses oeuvres compte plusieurs dizaines de volumes. L’univers morbide de Le Fanu, spectral, vampirique, sensuel et romantique (au sens tragique du terme), transporte. Il y a du Barbey d’Aurevilly pour les ambiances de brumes sous des nuits de Lune, du Friedrich pour ses tableaux mystérieux à la nature torturée. Depuis le décès de son épouse en 1858, Sheridan Le Fanu s’est orienté vers cette littérature de l’au-delà.

Avec cette histoire de femme vampire, il perpétue un thème très présent à la fin du XIXe siècle. Si le vampire masculin est un archétype du pervers manipulateur, reprenant la figure du prédateur dans les contes d’autrefois, le femme vampire cristallise plusieurs dimensions. Elle est l’oupire, la femme fatale qui détourne ses victimes de leur réalisation sociale ou personnelle pour les détruire. Par la séduction, elle s’attaque essentiellement aux jeunes filles chez Le Fanu. On retrouve chez lui une tendance moraliste fréquente à l’époque, même chez les Décadents. Une vision de la Femme et du lesbianisme comme une source de perversion. Chez Le Fanu c’est toutefois le fantastique qui prédomine. Il n’y a pas de leçon morale manifeste dans Carmilla, mais plus des thématiques courues à l’époque. Carmilla est un roman patiemment sensuel et généreusement morbide : « Je vis de ta vie ardente, et tu mourras, oui, tu mourras avec délices, pour te fondre en la mienne ».

Dans un château, la jeune Carmilla est recueillie par le propriétaire des lieux. La fille du châtelain et la nouvelle venue se prennent d’une amitié toujours plus intense et passionnelle : « Parfois encore, des lèvres brûlantes couvraient mon visage de baisers qui se faisaient plus appuyés et plus amoureux à mesure qu’ils atteignaient ma gorge où se fixait leur caresse ». D’autant qu’en rêve, elles se rejoignent. Carmilla n’est autre que Millarca ou encore Mircalla, devenue vampire il y a plusieurs centaines d’années. Ce jeu sur les noms en anagrammes vise peut-être à montrer qu’au-delà des apparences changeantes, la Femme reste toujours la même, avec son lot de dangers. Une thématique d’époque, sous-jacente encore une fois. D’autant que la vampire vient s’interposer entre le père et sa fille, et que pour tuer la femme aux dents longues, il faudra faire appel au curé : la Famille est sauvée, grâce à la vigilance paternelle et aux institutions.

Annette Vadim (Carmilla)

Roger Vadim, en 1960, en tourne une adaptation et donne le rôle de la vampire à Annette Vadim, son épouse donc, qui peut à loisir parler de sa voix suave avec un accent des Carpates (en fait, Annette Stroyberg est danoise). S’il utilise à l’image tous les clichés de la beauté nordique, il lisse énormément les aspects lesbiens. Et mourir de plaisir devient plus une histoire de possession surnaturelle et de trio amoureux. Carmilla cherche à reconquérir son amant, qu’elle retrouve en la personne du fiancé d’une jeune femme. Autres différences : l’intrigue se passe dans les années 1960, et en Italie. Ce qui aurait pu être intéressant : confronter le fantastique et l’ère technologique. Mais visiblement l’ambition de Vadim était ailleurs (filmer Annette Vadim essentiellement, sans grande inventivité).

Malgré quelques belles trouvailles (le réveil sépulcral de l’oupire, la poursuite en forêt), on se lasse vite des effets faciles et répétitifs (les fondus au flou suivi d’un cri perçant) et des lumières souvent bâclées (projecteurs à peine dissimulés dans le décor), des brumes à la machine à fumée mal dirigées. Autant de défauts qui pourraient être excusables. Les Italiens, comme Mario Bava, ont réalisé de très bons films d’épouvante avec un budget de supérette et des trucages de Carnaval. Mais ici il n’y a pas de ligne, de lien ni d’ambition. On annonçait Christopher Lee, le maître de l’horreur, dans la distribution, mais le projet ne s’est pas concrétisé. C’était peut-être un signe.

Franck Mannoni

Moi vivant, jamais je ne tournerai avec Haneke. Tu comprends ?!

Pour clore ce parcours cannois, un compte-rendu du palmarès de cette 65e édition  en direct depuis la salle de presse Orange, du Palais des Festivals. C’est cadeau !

Sans grande surprise, Beasts of the Southern Wild, déjà récompensé à Sundance, reçoit la Caméra d’Or. Présenté en tout début de festival, il est resté le grand favori jusqu’au bout.

Ken Loach reçoit le prix de consolation, le Prix du Jury, pour La part des anges, qui avait rencontré un succès certain chez les festivaliers. Il profite de la tribune pour délivrer un court message politique.

Autre ancien palmé, Cristian Mungiu reçoit le Prix du Scénario, récompensant Au-delà des collines, un film complexe, dont les différents niveaux de lecture justifient ce prix, même si Mungiu aurait pu prétendre à plus.

En revanche, le prix de la mise en scène est une juste et belle récompense pour Carlos Reygadas, dont Post Tenebras Lux, qui a largement divisé les festivaliers, contient les plus beaux morceaux de cinéma vus ces dernières années.

Mads Mikkelsen, récompensé pour sa performance tout en nuances dans La chasse, de Tomas Vinterberg, reçoit le prix d’interprétation masculine, à la plus grande joie des journalistes présents dans la salle Orange. Il faisait face à une forte concurrence, notamment celle de Denis Lavant et Jean-Louis Trintignant, pour respectivement Holy Motors et Amour.

Deuxième prix pour Au-delà des collines, dont les deux comédiennes, Comina Stratan et Cristina Flutur, sont très justement récompensées, confirmant le talent de Mungiu pour révéler ses actrices.

Grand Prix pour Reality, de Matteo Garrone, qui revient une fois de plus primé du festival, quatre ans après Gomorra.

Alors qu’au début du festival, Au-delà des collines, de Cristian Mungiu, et Amour, de Michael Haneke se partageaient les faveurs des festivaliers et de la presse internationale, Holy Motors, de Leos Carax, qui a divisé et impressionné, a ensuite fait figure de favori, de nombreuses rumeur en faisant la Palme d’Or 2012. C’est finalement Michael Haneke qui remporte la Palme pour Amour, après que Nanni Moretti a justement salué le travail de ses deux comédiens principaux, venus s’exprimer dans sa foulée.

Malgré les rumeurs caraxiennes, on constatera donc l’absence totale de français au sein de ce palmarès, même si Amour n’a d’autrichien que son réalisateur et une partie de ses financements. Les Américains, présents en masse cet année, partent également bredouille, ce que ne méritait assurément pas Mud, de Jeff Nichols. On peut néanmoins dire que le jury a réussi à composer un palmarès tout à fait honorable avec une sélection somme toute décevante au regard de ce que pouvaient laisser espérer les prestigieuses signatures qui la constituaient.

Rendez-vous l’année prochaine, si tout se passe bien.

François-Xavier Taboni

Lire l’intégralité du palmarès ici.

Vous voyez les enfants, dans le ciel il y a toutes les étoiles de nos grands cinéastes disparus : Cronenberg, Audiard et Anderson.

Dernière entrée de la Compétition, Mud, troisième film de Jeff Nichols, poursuit le travail du cinéaste, qui s’impose comme le peintre du Sud profond des Etats-Unis. Après Shotgun Stories et Take Shelter, Jeff Nichols ouvre son cinéma au grand public et signe son plus beau film à ce jour. En suivant le parcours de deux garçons, véritables Tom Sawyer et Huckleberry Finn modernes, bien décidés à aider un meurtrier en fuite, le réalisateur se fait autant le portraitiste d’une Amérique rurale que le conteur d’un très beau récit initiatique. Mathew MacConaughey éclate en truand infantile et superstitieux, Peter Pan armé d’un colt 45, qui tente tout pour retrouver son amour incarné par Reese Witherspoon. En peu de temps, Nichols s’est imposé que le représentant d’un classicisme et d’une épure cinématographique enthousiasmants.

Le classicisme est aussi à l’œuvre dans Renoir, de Gilles Bourdos. Après la remise de prix de la sélection Un Certain Regard, dominée par Tim Roth en président du jury joueur et survolté, on découvre avec un ennui poli cette biographie consacrée à une période de la vie des Renoir, père et fils. Baigné dans une belle lumière provençale, le film accumule les scènes à faire et Michel Bouquet les phrases définitives sur l’art, les femmes, la guerre et la création.

Je termine enfin la soirée en assistant, dans une salle Bazin clairsemée, à la projection presse de Thérèse Desqueyroux, film posthume de Claude Miller. Là encore, un certain académisme du cinéma en costume français fait des ravages. La reconstitution et la direction artistique soignées servent d’écrin à une œuvre qui ennuie rapidement. Pendant la projection, une recherche rapide sur IMDb me rappelle qu’une adaptation du roman de François Mauriac a déjà été tournée cinquante ans plus tôt par Georges Franju, avec Emmanuelle Riva et Edith Scob, vues dans deux des plus beaux films de la Compétition cette année, Amour et Holy Motors.

François-Xavier Taboni

Pour ce troisième numéro, Boris Hurtel a choisi le film Twixt de Francis Ford Coppola (avec Val Kilmer entre autres), en salles depuis le 11 avril.

(Cliquer pour découvrir la bd)

L’apocalypse dans une voiture ; il est fort ce Cronenberg.

C’est un peu chagriné que j’aborde la projection de Cosmopolis, de David Cronenberg, présenté en Compétition. En effet, j’ai perdu ma veste sur le chemin du Grand Théâtre Lumière. Ca me fait un point commun avec le personnage de Robert Pattinson, qui se plaint d’avoir perdu la sienne au cours du film. Mais c’est bien la seule chose qui me rattache au dernier film du réalisateur de Vidéodrome. Cette adaptation d’un roman de Don DeLillo, totalement abstraite, fait vraiment peine à voir. Film de SF, qui se déroule pour sa plus grande partie à l’intérieur d’une limousine, Cosmopolis est un film verbeux et désincarné, où le style brillant de Cronenberg donne l’impression de tourner à vide. Si la seconde partie, marquée par l’intervention d’un Mathieu Amalric amusant en Noel Godin peroxydé, est un tout petit peu plus stimulante, on sort vraiment désappointé de cet essai aussi vain que prétentieux.

Comme hier, je me rends au Marché pour rattraper un film de la sélection Un Certain Regard précédé de très bons échos, A perdre la raison, de Joachim Lafosse. Inspiré d’un fait divers, le long métrage de Lafosse décrit minutieusement comment une jeune mère de famille sombre progressivement dans la dépression. Porté par sa solide distribution (Emilie Dequenne, Tahar Rahim et Niels Arestrup), le film enferme doucement sa protagoniste et les spectateurs dans une spirale morbide que rien ne semble pouvoir arrêter.

Encore une intrigue familiale pour L’ivresse de l’argent, de Im Sang-soo, présenté en Compétition. Suite de The Housemaid, et deuxième volet d’une trilogie, ce thriller domestique déconcerte. La mise en scène élégante et glacée est en parfaite cohésion avec le précédent film du réalisateur mais sa fascination pour le grotesque et des personnages taillés à coups de serpe laissent pour le moins perplexes. On navigue constamment entre le thriller et la satire, au détriment d’un film qui ne suscite jamais aucune émotion. La fin ouverte donne néanmoins envie d’en savoir plus et je me laisserai probablement piéger par le dernier volet de cette trilogie.

C’est une autre trilogie, qui conclut ma soirée : un très bon repas à La brouette de grand-mère, une fête, joyeuse et déjà un peu nostalgique sur la plage de La Quinzaine des Réalisateurs et une fin de nuit à l’indispensable Petit Majestic.

J’espère néanmoins que ça ne m’empêchera pas de parler demain de Mud, de Jeff Nichols et de Renoir, de Gilles Bourdos.

François-Xavier Taboni

What did you expect ?

Comme chaque année, le jeudi marque le début de la fin du festival. Les séances du marché se font beaucoup plus rares et les sections parallèles touchent bientôt à leur fin. C’est dans un état d’esprit déjà un peu nostalgique que j’aborde la projection de The Paperboy (en photo) de Lee Daniels, présenté en Compétition. La troisième oeuvre du réalisateur de Precious est le premier film américain un tant soit peu amusant de la Compétition. Sur un prétexte de polar dans les Etats-Unis des années 60, le cinéaste signe une espèce de relecture trash de Tenessee Williams où Nicole Kidman serait un clone d’Elizabeth Taylor et Matthew McConaughey tenterait d’être Paul Newman. Rempli de pulsions troubles et de scènes à la limite du grotesque, le film est desservi par la mise en scène paresseuse de Daniels. Les acteurs s’en donnent à cœur joie dans les contre-emplois, mais c’est la chanteuse Macy Gray, toute en ironie et en émotion retenue, qui constitue la véritable révélation du film.

Les films des sections parallèles étant désormais projetés au Marché du Film, j’en profite pour rattraper mon retard et découvrir Student, de Darezhan Omirbaev, inspiré par Crime et châtiment. Le minimalisme du cinéaste trouve un peu ses limites dans ce film un peu sec, où il est difficile de rentrer. Les deux derniers plans, pourtant, apportent une touche d’émotion : une scène de parloir, qui a inspiré tous les admirateurs de Dostoïevski au cinéma, de Bresson aux frères Dardenne en passant par Paul Schrader, et un très beau regard caméra.

On reste dans la sobriété avec le prochain film de la Compétition, Dans la brume, de Sergei Loznitsa, présent sur la Croisette il y a deux ans avec l’aride My Joy. On reste dans le même registre avec ce film qui se déroule en URSS pendant la Seconde Guerre mondiale. En de longs plans, le cinéaste décrit le parcours moral d’un homme accusé de collaboration avec les allemands. Sur un récit régulièrement ponctué par des flashbacks, le réalisateur filme, au cœur d’une nature indifférente, le destin d’une poignée d’hommes confrontés à leur destin. Si le brio de l’auteur est indéniable, comme pour My Joy, il est difficile d’admirer immédiatement un film qui ne s’offre pas facilement à ses spectateurs.

La question se pose moins avec Trois mondes, de Catherine Corsini, présenté dans la section Un certain regard. Dans la veine du nouveau cinéma noir français, la réalisatrice de La nouvelle Eve, tente de tracer les parcours de plusieurs personnages liés par un terrible accident de voiture. Il est difficile d’avoir beaucoup d’empathie pour des personnages qui font systématiquement les mauvais choix, prisonniers d’un scénario très prévisible et dont la conclusion maladroite n’arrange pas beaucoup la structure.

Pour me changer les idées, je me rends à la fête de Post Tenbras Lux où on m’annonce moult bouteilles de mescal. Mais pour d’obscures raisons administratives, l’événement est strictement encadré par les forces de police et l’alcool promis devient inaccessible. Tant pis, c’est une bonne excuse pour me coucher un peu plus tôt que d’habitude, à quatre heures du matin.

Demain, si tout se déroule sans accrocs, je parlerai de Cosmopolis, de David Cronenberg, et de L’ivresse de l’argent de Im Sang-soo.

François-Xavier Taboni

Les acteurs de Io e te sortent de la projection du film.

Peu motivé par le film et convaincu qu’il n’apparaitra pas au palmarès, je décide d’attendre de rentrer au bercail pour découvrir On the Road de Walter Salles. Cette première impasse à la Compétition décidée, j’avale un petit déjeuner des champions (coca / roudor / doliprane) pour me préparer à ma nouvelle journée, qui s’annonce chargée.

Décidé à découvrir le nouveau Bernardo Bertolucci, je fais l’impasse, pour des questions d’horaires, sur Ernest et Célestine, de Patar et Aubier, présenté à la Quinzaine des Réalisateurs. A la place, je vais voir Victimes, thriller français présenté au Marché. Tourné pour un budget qu’on devine ridicule, le premier film de Robin Entreinger exerce une certaine fascination. La longueur des plans, la direction d’acteurs nous fait naviguer entre le cinéma bis et une cinéma d’auteur un peu aride. Je ne suis pas le seul à être intrigué, puisque plusieurs spectateurs restent jusqu’à la fin de la projection, une chose finalement assez rare dans ces salles qui sont le plus souvent des lieux de transit.

Direction ensuite le Grand Théâtre Lumière pour assister à la projection de Io e te (en photo), dernier film de Bernardo Bertolucci. Avant et après le film, le réalisateur est salué par des applaudissements nourris. Je suppose qu’il s’agit plus de saluer le cinéaste que son film, car celui-ci ressemble plus à une production télévisuelle qu’aux oeuvres les plus marquantes de l’auteur de La Stratégie de l’araignée.

Changement de programme radical avec le prochain film de la Compétition, Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas. Il est difficile de résumer ce film où le cinéaste raconte, à travers des chemins tortueux, la vie d’une famille mexicaine aisée. Comme toujours chez le cinéaste, le spectateur est placé face à des tableaux d’une beauté fulgurante et l’apparition dans une maison, de nuit, du diable équipé d’une étrange boîte à outils restera comme l’image la plus forte de ce festival. Le rythme du film, traversé par des électrochocs visuels, déconcerte de toute évidence certains journalistes et la fin de la projection se déroule sous des huées suivies par de timides applaudissements.

L’enthousiasme est total, en revanche, lors de la projection de Touristes, à la Quinzaine des Réalisateurs. Le nouveau film de Ben Wheatley, révélé par Kill List, est une réjouissante comédie noire. Cette réactualisation burlesque des Tueurs de la lune de miel est un véritable de jeu de massacre construit avec une méchanceté réjouissante par le réalisateur et le couple vedette du film, à l’origine du scénario.

Demain, si tout se déroule comme prévu, On parle des deux prochaines entrées de la Compétition : The Paperboy, de Lee Daniels, et Dans la brume, de Sergei Loznitsa.

François-Xavier Taboni

A force d’abnégation, notre reporter François-Xavier Taboni a enfin ses entrées à Cannes.

Si la pluie, provoquant des annulations de séances et, pire, de soirées, semble avoir totalement anesthésié les festivaliers pendant deux jours, le soleil revient doucement et la nature cannoise reprend ses droits.

C’est dans cette atmosphère de soulagement que je découvre le très attendu Cogan : la mort en douce, d’Andrew Dominik, présenté en compétition. La déception est à la hauteur de l’attente suscitée par le nouveau film du réalisateur de Chopper. En adaptant un polar de George V. Higgins et en le replaçant dans le contexte de la crise de 2008 et de la campagne électorale de Barack Obama, Dominik veut donner un regard politique sur l’Amérique d’aujourd’hui. Malheureusement, la légèreté de l’analyse et la lourdeur du propos sautent très rapidement aux yeux des spectateurs. Et l’intrigue, extrêmement lâche, n’est prétexte qu’à de lourdes démonstrations de mise en scène, entrecoupée par des numéros d’acteurs totalement usés. La surprenante sobriété de Brad Pitt ne parvient pas à racheter ce ratage qui laisse un arrière-goût d’arnaque assez déplaisant.

Compétition toujours avec La part des anges, de Ken Loach, que je rattrape en séance officielle. Ce film, qu’on peut ranger dans la veine la plus légère du cinéaste est une comédie tout à fait regardable. Si le cinéaste et son scénariste Paul Laverty conservent leur goût pour les ficelles scénaristiques faciles, les exploits de ces jeunes écossais marginaux qui se reconvertissent en trafiquants de whisky, sont plutôt sympathiques.

C’est rempli de courage et d’une certaine appréhension que j’aborde la séance suivante, celle de Gangs of Wasseypur (de Anurag Kashyap) présenté à la Quinzaine des Réalisateurs. En effet, cette saga criminelle, qui rappelle par moments la trilogie des Parrains de Francis Ford Coppola, dure 5h20. présenté en deux séances de 2H40, le films suscite un bel enthousiasme dans la salle du Palais Stéphanie. Il faut dire que cette fresque où se télescopent, humour, scènes gore, passages musicaux, personnages attachants et fusillades homériques est une expérience des plus stimulantes.

Dernier film d’une longue journée loin d’être terminée, Holy Motors (en photo) de Leos Carax, qui fait partie de la Compétition, est lui aussi stimulant à plus d’un titre. Sans véritable intrigue, et plutôt construit comme une succession de séquences dans lesquelles Denis Lavant incarne différents personnages, le nouveau film du réalisateur de Pola X est une très belle expérience. Forcément inégal de part sa nature hétéroclite, le film est traversé par des scènes magnifiques, parfois très drôles, portées par le travail hallucinant de Lavant et par la poésie et la mélancolie de Carax qui convoque aussi bien Jules Etienne Marey que Georges Franju dans une oeuvre où se croisent Eva Mendes, Kylie Minogue, Edith Scob et Michel Piccoli.

Il est minuit quand je sors de la salle mais la soirée ne fait que commencer, alors que la fête pour le Ken Loach s’annonce aussi longue qu’alcoolisée.

Néanmoins, demain, je tenterai de parler, entre autres, de Post Tenbras Lux de Carlos Reygadas.

François-Xavier Taboni

Emmanuel Finkiel  était à Strasbourg pour présenter son nouveau long métrage, Je suis (sortie à Strasbourg le 23 mai 2012).

Je suis est un film documentaire, soit un genre qui peut prendre toutes les formes, donc on n’a pas dit grand chose quand on a dit ça.

Dans Je suis, Emmanuel Finkiel, sans négliger sa place de cinéaste, suit trois personnages dont le cerveau a été massivement attaqué et qui tentent de regagner leurs aptitudes corporelles, intellectuelles, mémorielles et émotionnelles.  C’est long, c’est stressant, amusant, touchant.

Emmanuel Finkiel faisant fi de l’heure très matinale de notre rencontre s’est prêté au jeu de la cinéphilie, il réagit aux films suivants.

LE SCAPHANDRE ET LE PAPILLON (Julian Schnabel) :

Ce que ça m’évoque c’est Mathieu Amalric bien sûr. Qui est vraiment un grand acteur. Qui a réussi à faire sentir cette drôle de chose qu’est l’état de quelqu’un qui est dans les choux. Ce n’est pas facile et il le fait avec grande subtilité.

ELLE S’APPELLE SABINE (Sandrine Bonnaire) :

Ah oui, vous ne me proposez que des films qui montrent des gens comme ça… Eh bien c’est super émouvant parce qu’on sent leurs liens. Je ne pouvais jamais oublier dans chaque plan que c’est la sœur qui regarde, et que donc il y a un passé commun avec ce personnage. Non, c’est assez bouleversant. Et alors, évidemment le personnage central est bouleversant, etc., mais en voyant le film, j’ai vraiment beaucoup apprécié Sandrine Bonnaire si je puis dire. J’ai trouvé que ça semblait être une belle personne. Voilà.

JOHNNY S’EN VA T’EN GUERRE (Dalton Trumbo) :

Je l’ai vu il y a très longtemps, je ne me souviens plus bien… C’est celui qui est prisonnier de son corps ? C’est horrible. Evidemment, oui, ça me fait penser à soi-même comme prison. On éprouvait ça dans le film, ce type qui n’arrive pas à communiquer, mais dont le spectateur… C’est ce qu’on appelle une puissante ironie dramatique. Vous savez, au cinéma ce qu’on appelle une ironie dramatique, c’est quand le spectateur sait quelque chose que le personnage ne sait pas, ou les personnages ne savent pas. Et là, nous on sait que le personnage principal ressent tout, entend tout, mais il ne peut rien communiquer à l’extérieur et les gens qui sont autour de lui pensent que c’est une moule ! Et ça a le pouvoir de mettre le spectateur dans la même prison que le personnage principal, c’est horrible.

ENTER THE VOID (Gaspar Noé) :

Emmanuel Finkiel : Mais je ne l’ai pas vu.

CUT : Mais pourquoi ?

Emmanuel Finkiel : Mais je ne sais pas ! Non, mais je me pose la question ? Je ne savais même pas, j’ai honte, qu’il avait fait un nouveau film. Je suis désolé, je vais faire en sorte de le voir. Ça vous a plu ?

CUT : Oui. Et les autres films de Gaspar Noé ?

Emmanuel Finkiel : Ecoutez, moi je crois qu’il a beaucoup de talent, je suis assez impressionné par ses mouvements de caméra que je trouve très savants. Et que je trouve un tout petit peu, parfois, extérieurs aux personnages, c’est-à-dire que parfois ils m’éloignent un peu de ce qu’il raconte. Mais ça m’impressionne toujours beaucoup. Je crois qu’il a une énergie folle et qu’il a plein de choses… Je le rencontrerais bien.

LES IDIOTS (Lars von Trier) :

Vous n’avez pris que des films sur des gens cassés ? Les idiots ce n’est pas le film que je préfère de lui. Je crois qu’il nous a tous abusé avec son dogma là. Je pense que ça lui a permis d’avoir une inspiration pour le moment où il a fait Les idiots… Non, ce n’est pas le film que je préfère de lui.

VOYAGES (Emmanuel Finkiel) :

Très-très beau film ! Qu’est-ce que vous voulez que je vous dise là-dessus ? C’est très difficile. C’est mon premier film. Et finalement je constate que, des années après je fais un film, un documentaire sur des cérébraux-lésés, au demeurant sur le papier rien à voir avec ces personnages de Voyages qui étaient des personnages qui étaient hantés par ce qui leur était arrivé ou par ce qui était arrivé à leur famille pendant la Shoa et qui ont du mal à vivre dans le présent, qui ont une crise forte d’identité. Vous voyez, je ne dis que des mots qui peuvent étrangement valoir pour le documentaire que je viens de faire. Je veux dire par là que je constate que finalement, on a l’impression qu’on choisit des sujets pour des raisons diverses et variées et en fait, une fois que les choses sont faites, qu’on regarde un petit peu en arrière, on voit qu’on a juste cultivé une obsession. L’obsession de la mémoire, l’obsession de l’identité. Et on constate qu’on n’a fait que des films dont les titres pouvaient s’interchanger sans problème. Voyages aurait pu s’appeler Je suis, celui-là pourrait s’appeler Voyages ma foi.

Propos recueillis par Jenny Ulrich

On a beaucoup à apprendre des personnes âgées…

La pluie de la veille ayant douché mes velléités de sortie, c’est relativement reposé que j’aborde la projection de Vous n’avez encore rien vu, d’Alain Resnais, présenté en compétition. Le titre, magnifique, et l’idée que Resnais, proche des 90 ans, refasse un film qui aborde la question de l’au-delà, presque trente ans après L’Amour à mort, séduisent immédiatement. Mais le travail de mise en abyme (Resnais adapte deux pièces de Jean Anouilh), le côté ouvertement théâtral et le bricolage (le terme est de lui) de la mise en scène laissent un peu perplexe au premier abord. Il faudra sûrement revenir à tête reposée sur ce film tellement caractéristique de l’univers de son réalisateur et qui promet de s’enrichir après plusieurs visions.

Séance de rattrapage ensuite pour La Pirogue, présenté à Un Certain Regard. Evoquant le périple d’immigrants sénégalais qui veulent tenter leur chance en Europe, le réalisateur Moussa Touré signe une oeuvre sobre et efficace, et ce Lifeboat africain donne envie de découvrir la filmographie du cinéaste, qui a principalement tourné des documentaires.

L’oeuvre de Hong Sang-soo est, elle, un peu mieux connue. De fait, le réalisateur de La vierge mise à nu par ses prétendants a affiné au fil des années un style presque immédiatement reconnaissable. Du strict point de vue technique, il faudra un jour que quelqu’un se penche de plus près sur l’utilisation régulière de zooms assez brusques dont semble raffoler le réalisateur depuis Conte de cinéma. Sur le plan narratif, le cinéaste tisse une fois de plus un récit très ludique, où les scènes et les dialogues se répondent régulièrement provoquant des effets de comédie plutôt réussis. Isabelle Huppert, toute en légèreté, intègre à merveille l’univers du cinéaste sud-coréen.

J’abandonne par avance tout espoir de rentrer à la première projection de presse du Ken Loach, La part des anges, et laisse également tomber la seconde, en espérant me rattraper demain, pour découvrir dans la section Un Certain Regard, Elefante Bianco, dernier opus de Pablo Trapero. En suivant le parcours de deux prêtres et d’une assistante sociale dans les bidonvilles de Buenos Aires, le réalisateur de Leonera signe peut-être son film le plus grand public. En mélangeant avec brio le thriller, le mélo et l’observation sociale, Trapero embarque son spectateur dans un beau film populaire. Et si la virtuosité de son précédent film, Carancho, sentait la démonstration de force pour impressionner Hollywood, celui-ci donne l’impression que le cinéaste a encore beaucoup de choses à filmer chez lui.

Demain, on devrait parler, entre autres, de Cogan : la mort en douce d’Andrew Dominik, et de La part des anges de Ken Loach.

François-Xavier Taboni