L'oeuf du serpent (Éd Carlotta)

Berlin, novembre 1923. Abel Rosenberg, trapéziste américain et alcoolique, découvre le cadavre de son frère, en rentrant un soir à la pension où ils résident. Bientôt convoqué par la police pour identifier d’autres cadavres, il sent les soupçons se porter sur lui. Relâché, il s’installe avec sa belle-soeur mais le malaise persiste et pour Abel, la paix semble impossible à trouver…

Grosse production aux capitaux américains, film paranoïaque orwellien, cas à part dans la carrière de Bergman, L’oeuf du serpent est de ces oeuvres difficiles à raconter qui deviennent meilleures de vision en vision. Le film est d’abord notable pour son climat de fin du monde très science-fictionel (Orwell, donc), où le spectateur comme le personnage principal n’a aucune prise sur la mécanique impitoyable des événements qui se succèdent. D’anticipation, il n’est en fait nulle question puisque la période décrite est la montée du fascisme de l’Allemagne d’entre deux guerres. La désolation, la vulgarité et la décadence dépeintes nous feraient perdre toute foi en l’âme humaine durant les 114 minutes que durent le film !

En prenant pour personnage central un juif expatrié dont on ne comprendra jamais les raisons qui le poussent à rester à Allemagne, et qui de plus subit les événements sans jamais y réagir autrement que par le silence – la plupart du temps – ou par des crises de paranoïa épidermiques – quand vraiment il se sent le dos au mur – Bergman courrait le risque de tomber dans une certaine lourdeur démonstrative. Le magnétisme dégagé par le Petit Scarabée de la série Kung fu annule heureusement rapidement cette crainte. Parce que L’oeuf du serpent reste aussi comme l’un des quelques cas (avec Boxcar Bertha, En route pour la gloire ou Le gang des frères James) où David Carradine fut magnifique dans un film qui n’a rien du plaisir coupable pour cinéphile pervers.

Une featurette avec des interventions de Bergman, Carradine et Liv Ullmann complète cette édition. Une grosse déception quand même : le film est encodé en 4/3 rendant la résolution de l’image pauvre et faisant perdre à ceux qui ont un téléviseur 16/9 soit les sous-titres, soit le haut de l’écran. Carlotta a beau prévenir qu’aucun matériel restauré n’existe en 16/9, on ne peut que leur répondre que n’importe qui peut réencoder un DVD au format anamorphique sur son Mac, à la maison, en quelques clics de souris, permettant un gain de qualité non négligeable… Cela étant dit, L’oeuf du serpent reste un must à redécouvrir toute affaire cessante.

Mathias Ulrich

Les Editions Carlotta ont réuni dans un coffret quatre téléfilms réalisés entre 1972 et 1974 par le cinéaste italien Roberto Rossellini (Blaise Pascal, Augustin d’Hippone, Descartes et L’Age de Côme de Médicis). A cette époque, Rossellini déclare vouloir abandonner le cinéma comme mode d’expression privilégié. Il le juge obsolète, dévoyé par les ego des créateurs et les ambitions commerciales des producteurs. Il mise sur le petit écran, média encore jeune où il retrouve une certaine liberté de création. Il sait également que ses oeuvres seront facilement relayées par une télévision d’Etat qui a mission de service public.

Blaise Pascal (1972)

Avec cette série de téléfilms historiques, Rossellini entend éduquer les citoyens, en leur montrant les destins de quelques grands hommes. Surtout, il veut démythifier le passé, redonner une dimension humaine à des icônes de l’Histoire. « Ce que l’on a appris à l’école, c’est l’histoire de l’autorité, des rois, des penseurs, des généraux et des batailles. L’histoire de l’homme, la seule qui soit importante, personne ne l’enseigne », confie-t-il.

Blaise Pascal (1623-1662), philosophe français auteur des Pensées, lui fournit l’occasion de montrer une époque où les relations entre science et religion sont conflictuels. Très démonstratif, Rossellini illustre quelques grands passages des écrits de l’intellectuel, repris mot pour mot par Pierre Arditi, qui interprète le rôle titre. A l’image, le savant crée ses premières inventions (notamment une machine à calculer mécanique), élabore ses démonstrations de géométrie et livre ses réflexions à ses proches et à tous ceux qui, fréquemment, lui rendent visite.

Comme à son habitude, Rossellini s’intéresse plus au fond qu’à la forme, ce qui ne veut pas dire qu’il néglige la technique. Il privilégie des éclairages simples, tourne souvent avec une seule caméra qu’il fait voyager sur des rails, joue sur les zooms avec une petit boîtier électronique qui lui permet, lorsqu’il ne cadre pas lui-même, d’intervenir à distance sur l’objectif de la caméra. Le nombre de prises est réduit, le montage limité à une dizaine de minutes par jour, prétend le cinéaste. La scène finale, plan séquence de plus de cinq minutes est un bel exemple de cette efficacité. Mouvements de caméras et mouvements d’acteurs font l’essentiel de cette représentation de l’agonie du philosophe. Pierre Arditi est tout simplement parfait dans le rôle de l’homme de lettres gracile. L’acteur, qui avait alors 24 ans, offre un jeu tout en retenue, loin des rôles énergiques dont il fera plus tard une de ses spécialités.

Roberto Rossellini avec sa fille Isabella sur le tournage de Blaise Pascal

Les Editions Carlotta n’ont pas lésiné sur les compléments. Aurore Renaut, qui a réalisé une thèse sur Rossellini et qui enseigne l’Histoire et la Sociologie du cinéma présente le film. Une interview de Pierre Arditi par Alain Bergala, réalisateur et enseignant à la FEMIS, livre tout une série d’anecdotes sur le film. Enfin, le documentaire Les Coulisses de Blaise Pascal mêle des séquences tournées sur le plateau de Rossellini et plusieurs entretiens avec le réalisateur. On y voit notamment Isabella Rossellini, créditée au générique comme assistante costumière, se poster aux côtés de son père : image rare.

Franck Mannoni

La contestation (Éd. Carlotta)

Ah, les années contestataires ! Les glorieuses années 60 et 70 où petit à petit les censures tombaient et les moeurs évoluaient. Subitement les artistes des quatre coins du monde comprenaient enfin – tel une révélation provoquée par un trip sous acide – tous les maux de la société et se faisaient fort de les dénoncer avec virulence dans des oeuvres rageuses et engagées !

Ce premier paragraphe plein de lyrisme pour en arriver à ce triste constat : que reste-t-il de ce cinéma révolutionnaire aujourd’hui ?… Et ben un peu comme pour ces éclairs de génie qui nous prennent sous l’emprise de substances illicites variées (mais si, rappelez-vous votre adolescence !), le lendemain, malheureusement, il reste surtout de l’embarras…

Donc Messieurs Bertolucci, Godard, Bellochio, Lizzani et Pasolini contestent. Comme ça, un grand coup, pour pouvoir parader avec un film contestataire dans les festivals et montrer que la flamme marxiste-maoiste-léniniste-etc. brûle de mille feux chez les cinéastes tout pareil que chez les étudiants. On aimerait en dire du bien (la contestation, ça nous plaît bien à Cut et le cinéma pop protestataire peut être très séduisant, après tout), mais en dehors des segments des deux derniers cinéastes cités (Lizzani et Pasolini, qui tirent leur épingle du jeu), l’ensemble est malheureusement aussi puéril que ridicule.

Gesticulatrice chez Bertolucci, verbeuse et poseuse chez Godard, carrément infantile chez Bellochio, cette fameuse contestation prend un peu de sens dans le segment de Lizzani – L’indifférence – sans doute aidée par la touche film noir qui se greffe par dessus et surtout dans La séquence des fleurs de papier du grand Pier Paolo où Ninetto Davoli nous remonte un boulevard (la Via Nazionale de Rome) avec le même panache que Anna Magnani dans deux scènes mémorables de Mamma Roma. Quelques minutes de plaisir bien gagnées pour le pauvre cinéphile… Et une conclusion aussi: le plaisir purement cinématographique d’un beau morceau de bravoure importe finalement plus que tous les messages du monde…

Aucun suppléments ne vient enrichir la vision du film (pour une fois, il en aurait pourtant eu grand besoin). Notons enfin que le titre italien, Amore e Rabbia (Amour et colère), même si encore une fois un rien trop définitif pour ne pas prêter un peu à sourire, était sans doute un peu moins lourd à porter…

Mathias Ulrich